PROGRAMACIÓN SALA DE MÚSICA MES MARZO

	CONOCIENDO LA MÚSICA LOS INSTRUMENTOS MUSICALES     LOS  ELECTRÓFONOS : Son los instrumentos cuyo sonido se genera o modifica mediante circuitos o corrientes eléctricas, es decir, mediante una producción del sonido electrónicamente. Los electrófonos se dividen en dos grupos: los instrumentos tradicionales eléctricamente amplificados y los instrumentos con la generación eléctrica completa. INSTRUMENTOS TRADICIONALES ELECTRÓNICAMENT E AMPLIFICADOS : Son como los acústicos, pero su amplificación se realiza por medios electrónicos. Se encuentran: Guitarra eléctrica : es una guitarra compuesta de unos transductores electromagnéticos (dispositivos que transforman determinado tipo de energía de entrada en otra diferente de salida) llamados pastillas. Las pastillas, que son barras de imanes a los que se les enrolla hilo decobre formando una bobina, transforman las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. El bajo eléctrico: Está construido de forma parecida a la guitarra. Fue inventado, en 1951, para aliviar los problemas de espacio y sonido que tenían los contrabajos de la época. Se redujo considerablemente su cuerpo, y se añadió su amplificación eléctrica y los trastes. Generalmente tiene cuatro cuerdas; a veces se le agregan más cuerdas y trastes. Algunos bajos se construyen sin trastes lo que produce un toque o color sonoro semejante al delcontrabajo. INSTRUMENTOS CON GENERACIÓN ELÉCTRICA COMPLETA : Tanto la vibración inicial acústica como la amplificación sonora son producidas eléctricamente. El generador sonoro acústico se sustituye por uno electrónico que produce una señal oscilatoria armónica. Se dividen en: INSTRUMENTOS RADIO-ELÉCTRICO : Son los instrumentos cuyo sonido se produce completamente por oscilaciones eléctricas, entre los que se encuentran: Theremin: Al ser el primer sintetizador de la historia, es considerado como uno de los primeros instrumentos electrófonos. Fue inventado, en 1919, por el soviético Thermen. Consta de dos antenas: la horizontal de la izquierda (desde el punto de vista del músico), en forma de bucle, varía la intensidad del sonido: al acercar la mano es más suave y al alejarla hay mayor volumen. En cuanto a la antena vertical de la derecha, al aproximar la mano, la frecuencia es más alta, o sea la altura del sonido, y al alejarla es más grave. Es, entonces, un instrumento que no requiere de contacto físico, ya que la interferencia que se produce al acercar o alejar las manos de las antenas es lo que da origen al sonido. Ondas Martenot : Tiene un oscilador en forma de diente de sierra que genera ondas, el cual se controla a través de un teclado y un alambre. El teclado produce notas precisas sin dificultad, y al tirar de un anillo adjunto al alambre se puede subir o bajar el tono en escalas continuas. El instrumento es monofónico, es decir, que sólo produce una nota a la vez y no varias simultáneamente. El banco de clavesde expresión permite al intérprete variar el timbre, el ataque, etc. con su mano izquierda. Sintonizador: genera y manipula artificialmente los sonidos a travésde medios electrónicos. Permite crear nuevos sonidos así como de instrumentos conocidos. Mediante el uso de dispositivos tales como mezcladores, amplificadores,secuenciadores, el sonidoes alterado en su timbre, altura y duración. El sintetizador más conocido es el Moog, nombre que recibe del ingeniero estadounidense que desarrolló el primer modelo, en 1964, al que le siguieron modelos similares. Entre 1960 y 1980 se produjeron aparatos más pequeños que tenían microprocesadores con los que se podía grabar el sonido digitalmente. INSTRUMENTOS MECÁNICOS-ELÉCTRICOS : Como su nombre lo indica, son todos los instrumentos que producen el sonido mezclando elementos mecánicos y eléctricos, como el órgano eléctrico. Órgano eléctrico: Consta de un teclado y mandos para controlar el timbre. Está basado en los principios del electromagnetismo y amplificación a través de altavoces. LOS MEMBRÁFONOS : Como su nombre lo indica, son los instrumentos cuyo sonido se produce mediante la vibración de una membrana de piel tensada o de material sintético, también conocida como parche. De acuerdo a la manera de producir la vibración, bien sea con la mano, con baquetas, escobillas metálicas o de diferentes formas y tamaños, se dividen en: MEMBRÁFONOS PERCUTIDOS: Tambores semiesféricos El Timbal de Concierto: Se utiliza en la orquesta de concierto. De sonoridad grave, es interpretado con unas baquetas que pueden producir golpes secos o resonantes. Tambores cónicos: La Tumba: es el tambor cónico más largo de la familia de la Conga, que es un tambor grande. Tambor cilíndrico: Tambor militar o Caja que tiene dos parches: cuando se bate con los palillos el de arriba, el de  abajo vibra y las cuerdas que lo dividen en dos mitades se agitan fuertemente aumentando la duración y fortaleza del golpe.   Barriles de Bomba: Tambores típicos utilizados en la música caribeña de Puerto Rico.   Tambores de reloj: Su armazón asemeja a un reloj de arena o de doble cono.   Tambor de copa: Una cara es mayor que la otra y suarmazón se asemeja a una copa un cáliz.   Tambor de marco: El diámetro de su parche es más grande que su profundidad. Su marco está  formado por uno o dos aros de maderera superpuestos y puede tener sonajas. Los panderos y panderetas se  encuentran dentro de estos  ambores.   MEMBRÁFONOS NO PERCUTIDOS Tambores de fricción: La membrana vibra por medio de un cordón o palo. Dentro de ellos se encuentra el Bote mexicana, la Zambomba española(el de la imagen), la zambumbia colombiana, entre otros.   Tambores soplados: El Milrlitón: Produce variedad de tonalidades al tararear a través de él, lo que modifica la voz del soplante gracias a la membrana que vibra conectada al tubo.

	LAS FORMAS MUSICALES Continuando con el estudio de las formas musicales, en este boletín hablaremos de las formas musicales del período barroco, clásico y romántico. PERÍODO BARROCO (1600-1750) La suite: la suite barroca se conoce como el conjunto de piezas breves constituidas por danzas unificadas por la misma tonalidad. Generalmente se iniciaba con un preludio u overtura, al que le seguían las danzas allemande (danza ceremonial); courante (danza viva); Sarabande (danza lenta, ceremonial), los Intermezzi (constituidos de dos o más danzas, como el Minuet, Bourée o la Gavota ). Finalizaba con la  Gigue que era una danza rápida. Cada danza constaba de dos secciones de igual proporción. Entre los principales compositores de suites tenemos: Bach, Rameau, Couperin, Haendel, Telemann, entre otros. El concierto: es una composición musical, usualmente en tres partes o movimientos, en las que un solista es acompañado por una orquesta. El concierto tiene su origen a finales del siglo XVII, en Italia, con el concerto grosso , es decir, gran concierto  barroco, en el que un conjunto de instrumentos (il concertino) se opone a la orquesta (il ripieno o relleno). Entre los más importantes compositores que escribieron concerti grossi están: Corelli, Geminani, Vivaldi,  Haendel. La fuga: es la forma de contrapunto imitativo (varias voce simultáneas) más desarrollado: Una voz entra y expone un tema; después otra voz, en otra tonalidad cercana, reexpone el tema, y así  sucesivamente con cada voz de la fuga. Entre los principales  compositores de fugas están: Frescobaldi, Haendel, Bach, que escribió un tratado, El arte de la fuga , y varias composiciones de fugas, como los preludios y fugas para clave. Misa : es una forma musical sagrada y coral escrita usualmente en latín -algunas veces acompañada de instrumentos-, que pone en música la liturgia eucarística (generalmente de la Iglesia Católica  Romana, Anglicana y Luterana). Está formada por el Ordinario de la Misa compuesto por el Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, Agnus Dei, y otras secciones, como el Introito,Graduao Alleluia que constituyen el Propio de la misa, y que dependían del día y tiempo del año, de acuerdo al calendario de la Iglesia. Compositores como Zelenka y Bach escribieron importantes misas. Opera: es una obra dramática interpretada por cantantes (que cantan, declaman o hablan, y músicos que los acompañan), y que combina texto, o sea el libreto de la ópera, y música. La actuación, el escenario y el vestuario hacen parte de la ópera. Diferentes compositores establecieron la ópera en sus respectivos países en el siglo XVII, comoMonteverdi, en Italia, Schülz, en Alemania, Purcell, en Inglaterra, Lully en Francia, y Haendel que cultivó la ópera italiana. Se dividió en ópera buffa y ópera seria . La ópera buffa describía, en general, temas del común de la gente; la ópera seria lo hacía con los reyes y la nobleza. Sus temas eran mitológicos, como los dioses o héroes antiguos. En cambio la ópera buffa utilizaba escenas cómicas y voces graves masculinas. Fue famoso el basso buffo (bajo bufo) que era el centro de la escena cómica.   PERIÓDO CLÁSICO Y ROMÁNTICO (1750-1900) Durante el período clásico, compositores como Beethoven y Mozart llevaron el concierto solista a un importante desarrollo. Están, por ejemplo, los cinco conciertos para piano de Beethoven, o los 27 de Mozart, que son muestra de la importancia que adquirió esta forma. La sonata: literalmente significa una pieza para ser tocada. Si bien durante el barroco ya se utilizaba el término para Designar a una pieza instrumental para un solista o varios, con acompañamiento instrumental, es en el clasicismo donde adquiere gran importancia. La forma musical Sonata nace en el clasicismo y hace referencia, generalmente, al primer movimiento de una obra que expone un  material musical ( La Exposición) ; ese material es desarrollado ( Desarrollo) , y finalmente es reexpuesto (Reexposición) . Extensas piezas como las Sinfonías, o cuartetos o el Rondo-Sonata también presentaban su primer movimiento en forma sonata. Haydn, Mozart, Beethoven fueron determinantes para el desarrollo del género. Algunas de las formas que cultivó el Romanticismo son: el Impromptu , que era una pieza de carácter libre e improvisado en la que se destacaron Schubert, con sus famosos Improptus para piano, Chopin o Schumann. También el Estudio , que era un género instrumental destinado a perfeccionar las habilidades técnicas del instrumentista, escrito generalmente para piano. Se destacan los veinte y  siete famosos Estudios de Chopin para piano; o el Lied que significa en alemán canción. Se desarrolló notablemente durante el romanticismo. Mezclaba el piano con la voz que cantaba un poema alemán  de gran contenido literario. Dentro de los compositores de Lied que se destacaron están: Franz Schubert y Robert Schumann.

	APRECIEMOS LA MÚSICA CLÁSICA DEL PERÍODO CLÁSICO ¿Qué se entiende por música clásica? En sentido general, el término música clásica se utiliza para designar la música académica o erudita, que se basa en una teoría y escritura de tradición complejas, diferenciándola de la música popular o folclórica. Ahora bien, el término también hace referencia a una obra (generalmente de arte) que sirve de modelo a otras por su construcción. Igualmente, en sentido musical, música clásica designa la música de tradición escrita, aproximadamente, entre 1750 y 1820. En una palabra, la expresión "música clásica" designa tanto un período específico de la historia musical de Occidente, como un tipo de música más complejo y elaborado que el que caracteriza a la música "popular". En términos generales, el período clásico buscaba seguir el lineamiento de la cultura greco-romana, y liberarse de la complejidad del barroco musical mediante una línea musical sencilla. Sus más importantes formas des composición son la Sonata , el Concierto y la Sinfonía . Tres compositores se destacaron durante este período: Joseph Haydn; Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven --éstos dos últimos influenciados por Haydn-; de ahí la importancia que reviste Joseph Haydn en el desarrollo de la música clásica. JOSEPH HAYDN Compositor austriaco nacido en Roharau, en 1732, y muerto en Viena, en 1809. Haydn contribuyó al desarrollo de las más importantes formas musicales instrumentales del período clásico, como la Sonata , la Sinfonía o el Cuarteto de cuerdas . Fue hijo de un carretero, y desde temprana edad es entrenado como corista en la catedral St. Stephen de Viena, en donde gana su primer estipendio. En 1759, es nombrado en el pequeño establecimiento del conde Morzin, y en 1760 entra al servicio de los príncipes Esteráis (familia noble austro-húngara), siendo nombrado, en 1766, Kapellmaister ( Maestro de Capilla ), que era un importante cargo en el que debía desempeñar las funciones de director de coro y de orquesta, tanto en las ceremonias sacras como en las de la nobleza. Este cargo era conferido a conocidos compositores. Mucha de la actividad creadora de Haydn transcurrió en el palacio de Esterháza bajo el mandato del príncipe Nikolaus Esterházy. A la muerte del príncipe, en 1790, Haydn, al tener mayor libertad, viaja a Londres donde obtiene gran éxito. Sigue sirviendo a diferentes sucesores del príncipe Nikolaus en el antiguo palacio Eisenstadt, (antiguo sitio de residencia de los príncipes Esteráis). Finalmente se retira a Viena en donde muere en 1809. Dentro de sus principales obras están: música para iglesia , como la Misa Nelson , escrita para el joven príncipe Nikolaus Esteráis, conmemorando la victoria del almirante inglés en el Nilo sobre las tropas napoleónicas. En su visita a Londres escribió los importantes oratorios Las Estaciones y La Creación . Dentro de su música sinfónica (compuso 108 sinfonías), están La Militar, El reloj , El Milagro , El Filósofo , La Sorpresa , entre otras. Dentro de sus conciertos figuran conciertos para chelo, violín, corno y trompeta de llave. Dentro su música de cámara , escrita para un pequeño número de instrumentos, están: trío para barítono (voz aguda del registro bajo de las voces masculinas) viola y chelo; Sonatas para teclado; tríos para piano Cuartetos Rusos , entre muchas otras obras. Como una muestra de la actividad creadora de Haydn, se han seleccionado algunos pasajes (movimientos) de obras compuestas por este autor en los diferentes géneros musicales del clasicismo, géneros que él desarrolló de manera decisiva. Como ejemplos de música de cámara, es decir, para pequeños conjuntos instrumentales (tríos, cuartetos de cuerdas): Rondo all' Ongerese del trío Zïngaro para piano, violín y violonchelo y el 2o movimiento del Cuarteto para cuerdas Emperador. Como ejemplo de Sonata: la Sonata para piano No.58 Como ejemplo de Sinfonía: el  Andante de la Sinfonía Sorpresa No.94. Como ejemplo de Música sacra: El Credo de la misa Nelson . Y, finalmente, como ejemplo de concierto: El Rondo all´Ungarese del Concierto para piano y Orquesta No.2.

	LAS MÁS FAMOSAS SINFONÍAS DEL MUNDO Inicio quinta sinfonía de Beethoven   Los más destacados compositores clásicos que han compuesto sobresalientes sinfonías-de acuerdo con un orden cronológico que va de los más antiguos a los más recientes- y que con más frecuencia se escuchan en los programas de conciertos sinfónicos, son: Franz Joseph Haydn (1732-1809),   conocido como "Padre de la Sinfonía", compuso más de cien sinfonías. Como la numeración por Opus, que significa "obra", no era de uso general, lassinfonías de los primeros com­positores se identifican por los nombres que se asocian, en una u otra forma, a sus obras o a su composición. Sus más importantes sinfonías son: La No 85 La Reina; la 92 Oxford; la 100 Militar; la 94 Sorpresa; la 101 Reloj y la 103 Redoble de tambores. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-71), quien en sus breves 35 años compuso en casi todas las formas musicales posibles, escribió cerca de cincuenta sinfonías. Entre las más populares se cuentan: Haffner, Praga, Júpiter, París y Linz. Ludwig van Beethoven (1770-1827) Las más populares de "Las nueve sinfonías inmortales" de Ludwig van Beethoven son: No 3 (llamada La Heroica, y que Beethoven quiso en un principio dedicar a Napoleón); la No 5; No 6 y la No 9, Coral, con su conocida Oda a la alegría en el último movimiento. Franz Schubert (1791-1828)   La Sinfonía número 8, de Schubert, conocida como La Inconclusa, es probablemente una de la sinfonía más populares en el mundo. Como Beethoven, Schubert compuso nueve sinfonías. Las rincipales son: Trágica, Pequeña, Inconclusa y la 9: Grande. Héctor Berlioz (1803-1869). Berlioz es la más alta figura del movimiento romántico francés. Sus sinfonías son programáticas -es decir, que la música, mediante temas reconocibles, evoca elementos extramusicales, como estados de la naturaleza, personajes o sentimientos que producen en éste diferentes acontecimientos. Dentro de las más importantes están la Fantástica que tiene como subtítulo: "Episodios de la vida de un artista"; Harold en Italia, y la sinfonía dramática con coro, Romeo y Julieta Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847). De sus sinfonías, las más conocidas son el Himno de Alabanza N° 2, La Escocesa y la Italiana. Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893). Entre sus seis sinfonías, las tres últimas -especialmente la última, denominada Patética- son las más importantes. Antonin Dvorak (1841-1904).   La más famosa de sus nueve sinfonías es la número 5, Del Nuevo Mundo, y rivaliza en popularidad con la quinta de Beethoven y la Inconclusa de Schubert.   Gustav Mahler (1860-1911).   Mahler compuso nueve sinfonías y una décima incompleta. Su quinta es conocida con el nombre de La gi­gante, y la octava como Sinfonía de los Mil, debido a que su ejecución requiere una orquesta de más de 120 músicos e incluye coros dobles, un coro infantil y órgano. Entre sus más conocidas están: Titán, La Gigante, Canto de la noche y La sinfonía de los mil. Johannes Brahms (1867-1897).   Sus cuatro sinfonías están consideradas entre los más grandes logros orquestales en la historia de la música.   Dentro de los músicos del siglo XX que han influenciado sobremanera el género sinfónico están, entre otros: Edouard Elgar (1857-1934) con sus dos sinfonías de 1908 y 1911 respectivamente; Richard Strauss (1864-1949) con sus sinfonías Doméstica y Alpina; Vaughan Williams (1872-1958) con sus sinfonías del Mar, Pastoral y Antártica, e Igor Stravinsky (1882-1971) con La sinfonía de los Salmos.

	CONOCIENDO LA MÚSICA BARROCA   BARROCO MUSICAL El período musical barroco abarca, aproximadamente, de 1600 a 1750. Deriva de la palabra italiana barocco , que significa exuberant , popular y recargado de las construcciones del siglo XVII y VIII en Alemania, Austria e Inglaterra. Por extensión, se aplicó el término a la música en la primera mitad del siglo XIX. El barroco musical muestra un gran desarrollo en la música vocal e instrumental. Igualmente, con armonías más complejas y mayor profundidad en las formas y el sentimiento logra, a través de los Afetti (afectos musicales), representar las ideas y sentimientos de forma más vehemente y vívida. Organista angelical barroco adornando el órgano de Gottfried Silbermann Las distancias no fueron impedimento para que las corrientes barrocas de los estados principescos del sur (lo que hoy vendría a ser Italia) se mezclaran con las del Norte (Alemania). Por ejemplo, Dresden era el centro del culto alemán por un compositor italiano tan importante como Antonio Vivaldi.       COMPOSITORES BARROCOS   Italia   Uno de los compositores que influyó tanto en importantes compositores contemporáneos italianos como en músicos alemanes -como Haendel- fue Arcangelo Corelli (Fusignano,1653 - Roma, 1713). Su estilo de tocar el violón sirvió de base para la técnica del violín del siglo XVIII y XIX. Su obras fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo. Su reputación se debe, principalmente, a su música instrumental, que sienta las bases del nuevo sistema tonal que se estaba desarrollando de tonalidades mayores y menores. Algunas de sus principales composiciones son: 12 Trios Sonatas para dos violines y cello; 12 Trios Sonatas para dos violines y flauta o 12 Concerti grosi.         Nápoles (suroeste de Italia) fue un importante centro musical. Se destacaron compositores como: Nicola Porpora (Nápoles,1686 - Nápoles, 1767) quien enseñó a Haydn e influyó en importantes compositores como Haendel, Bononcini o Hasse. Escribió 50 óperas, como Agripina, Orfeo o Eumene (con la que el famoso castrato de la época, Farinelli, hizo su debut); 12 cantatas, como Or che una nube ingrata , y oratorios y música de cámara.           El músico napolitano del barroco universalmente reconocido fue Alessandro Scarlatti (Palermo,1660- Nápoles, 1725). Se destacó principalmente en la ópera (en la que es considerado como el principal representante de la escuela operística napolitana), al diferenciar claramente el recitativo (discurso melódico de la ópera acompañado de música, parecido al habla), del aria (pieza cantada de la ópera para voz solista). Su obra, que revolucionó no solamente la vida musical provinciana de Nápoles sino también la historia de la música, está compuesta por más de cien óperas, entre las cuales L´errore inocente , Pompeo ; de cantatas; oratorios; de un Stabat Mater para dos voces, y de música instrumental, como Tocatas para clavecín .       Domenico Scarlatti (Nápoles, 1685 -Madrid 1757). Fue el sexto hijo de Alessandro Scarlatti. Recibió su formación musical en Nápoles y Venecia. Es conocido por sus piezas breves para teclado denominadas  Sonatas , en las que utiliza, de la música española, canciones folclóricas y ritmos, creando una mezcla que podría ser llamada de "barroco ibérico". Estas Sonatas fueron determinantes en la evolución de la técnica del teclado, sirviendo de base en las composiciones para ese tipo de instrumento.         Francesco Durante (Fratta Maggiore, 1684 -Nápole s 1755). Su formación recibió la riqueza y profundidad que tuvo la obra de Alessandro Scarlatti en Nápoles. Jean Jaques Rousseau lo describió "como el  más grande armonista de Italia, es decir, del mundo entero". Está considerado el fundador de la escuela napolitana caracterizada por su invención melódica Su obra consta principalmente de música para  iglesia, como sus trece misas o motetes, y de algunas piezas de cámara (vocal e instrumental) como Sonatas para clavicémbalo.         Giovanni Battista Pergolesi (Jesi, 1710 - Pozzuoli, 1736). Fue discípulo de Durante. Su corta carrera coincidió con el periodo más fructífero de la historia musical napolitana. Forjó un nuevo estilo dramático utilizando la ópera buffa (cómica) para llevar a la escena las sutilezas idiomáticas, el desarrollo motívico y la caracterización del arte musical que Mozart llevará a la perfección. Por eso su obra fue considerada como el modelo por excelencia de la ópera italiana. Entre sus principales composiciones están: El Intermezzo (pieza musical interpretada entre los actos de una ópera) La Serva Padrona; El hermano enamorado , o música sacra como su importante Stabat Mater .         Antonio Vivaldi (Venecia, 1678-Viena, 1741). Su fama radica en la importancia que dio al concierto barroco entre solista (solo) y orquesta tutti (todo) o ripieno (relleno), dando mayor cohesión a la relación entre estos dos elementos. Influyó en muchos compositores importantes como Johann Sebastian Bach. Escribió cerca de 550 conciertos, entre los cuales 350 fueron escritos para solista y orquesta. Se destacan L'estro armónico (Inspiración armónica) y las Cuatro estaciones .       La música barroca italiana se vio influenciada por la abundante construcción de violines, -principalmente en la ciudad de Cremona-, gracias a los luthiers (constructores de instrumentos de cuerda) de la familia de los Amati, en el siglo XVI y XVII, y de las familias Guarneri y Stradivari, en el siglo XVII y XVIII. En el próximo boletín hablaremos de los compositores barrocos más importantes de Alemania e Inglaterra.

El bicentenario del nacimiento de Richard Wagner (1813-1883)

Nacido el 22 de mayo de 1813 en Leipzig (Alemania), y muerto el 13 de febrero de1883 en Venecia (Italia), Richard Wagner es considerado como uno de los más grandes compositores de la música occidental. A través de sus óperas -que son el epítome de su música dramática-, y de sus escritos teóricos y antisemíticos (Hitler fue admirador de su obra y sus escritos) cambió el rumbo de la música, bien sea por sus descubrimientos o su reacción contra ellos.

La vida de Wagner fue muy tormentosa: tuvo varias relaciones amorosas; tenía fama de estafador (frecuentemente huía de los acreedores). Murió de un ataque cardiaco, en Venecia, a los 69 años, y su cuerpo fue trasladado a Bayreuth, ciudad que siempre lo honraría.

Su padrastro, Ludwig Geyer -actor, poeta y pintor- influyó en su formación. A pesar de no mostrar grandes dotes musicales en su infancia (en efecto, uno de sus profesores de música solía decir que “torturaba el piano de la manera más abominable”) su ambición hizo que compusiera a las 11 años un drama, y que a los 16 ya hubiera escrito varias piezas musicales.

Su primera sinfonía, estrenada en 1833, estuvo inspirada por la 9ª Sinfonía de Beethoven; al año siguiente, a sus 20 años, escribe el texto y música de su primera ópera (Las hadas) la cual no fue representada. Luego de casarse con la actriz y cantante Minna Planer, se traslada a Könisberg, donde compone y escribe la letra de la ópera Das Liebesverbot. (La prohibición de amar). En esta obra desarrolla el concepto “del arte total”, que tendrá su máxima expresión en la ópera, y en la que mezcla la mitología alemana con grandes temas sobre el amor y la redención.

Uno de sus óperas con temas políticos fue Rienzi (1842), en la que se reflejan sus ideas casi-revolucionarias, y para la época izquierdistas. Ambientada en la Roma imperial, se estrenó en Dresden con gran éxito, al igual que su siguiente ópera El Holandés errante. En 1845 escribe su importante ópera Tannhauser, e inicia la composición de Lohengrin.

Debido a sus posturas políticas huye de Alemania, cuando se inicia el “estallido” en Sajonia, y permanece en el exilio durante 11 años, periodo durante el cual redacta sus notorias críticas antisemitas, Judaísmo en música, en contra de los Judíos, compositores, directores, autores y críticos. Igualmente, escribe Ópera y Drama; desarrolla el ciclo del Ring, que consiste en cuatro óperas separadas, unidas por leifmotifs o temas recurrentes que enlazan los elementos del trama. Tuvo su representación completa, de 18 horas, en 1876.

El anillo del Ring fue precursora en su tiempo porque combinaba artes visuales, literatura y música (El arte Total). Fue tal su influencia posterior, que anticipó el futuro del film: compositores de películas, como John Williams, se inspiraron del uso de sus leifmotifs. También influyó, por ejemplo, en modernas películas como las series Lord of the Ring y Harry Potter.

Otra ópera importante fue Tristan e Isolda, compuesta bajo el estímulo de su relación amorosa con Mathilde, esposa del famoso escultor Otto Wesendonck; a su regreso a Alemania tiene una nueva relación con Cosima, la mujer del director Hans van Bulow, hija ilegítima del gran compositor húngaro Franz Liszt.

La vida de Wagner se resume en la sentencia del autor del New York Times, Anthony Tomassini. “¡Cómo música tan sublime proviene de hombre tan bajo! Tal vez, en verdad, el arte tiene el poder de sacar lo mejor de nosotros”